Konvergencias, Filosofía y Culturas en Diálogo. ISSN 1669-9092
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JUICIO
ESTÉTICO Y CULTURA POLÍTICA EN HEGEL Javier Domínguez Hernández (Medellín, Colombia) |
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I.
El concepto de obra de arte y su interés
filosófico en Hegel Con respecto al arte del presente
y del pasado, conservado en los museos o en el repertorio de la literatura,
el teatro, la ópera y la música, el interés primordial de Hegel no
estaba dominado por el énfasis estético o el juicio de valor, sino
por la pregunta acerca de si en el mundo moderno podía haber realmente
una obra de arte. Un ejemplo para acercarse al meollo de la
cuestión de la obra, que constituye aquí el interés especial, es el
gran aprecio que Hegel tenía por la pintura de los holandeses, la
de los viejos maestros del siglo XVI y la escuela nueva del siglo
XVII. Esa pintura ya era en los tiempos de Hegel arte del pasado,
pero la actualidad de su interés descansaba para él en dos consideraciones:
por una parte era una pintura formalmente perfecta, bella, pero en
otro sentido era una pintura que con respecto a sus contenidos su
interés no era ni general ni total. Para su relevancia cultural había
que tener en cuenta consideraciones históricas que eran las que respondían
por su significatividad. Había que rememorar la historia particular
de los holandeses para constituirse como nación moderna y libre y
reconocer a partir de ahí tales obras como un arte moderno, es decir,
emancipado ya del servicio al culto y al poder, e inmerso en un mundo
de la vida afincado en el más acá y en el presente. Este interés es
el que hace de un arte patrimonio de la humanidad, experiencia humana
superior por encima de cualquier finalidad inmediata, digna de la
atención en cada presente cultural para el enriquecimiento reflexivo
de su propia conciencia y autoestima. En este marco de consideraciones
la obra de arte es algo que si bien es un individuo, el artista, quien
la produce, está concebida para la sociedad, la época y el presente
cultural en que aquel está arraigado o desarraigado: “Cada obra de
arte pertenece a su tiempo, a su pueblo, a su entorno, y depende de
particulares ideas y fines históricos y de otra índole” (1). Esta
historicidad del arte la reconocemos, no sólo en los cambios de sus
formas universales o ideales de belleza o de perfección, sino en los
cambios de su relevancia cultural en las épocas o sociedades a las
que pertenece. La razón profunda de esta historicidad
del arte, no sólo en lo que tiene que ver con lo estético de su apariencia
sensible que conlleva o no la exigencia de belleza, sino también en
lo que tiene que ver con la relevancia de la obra de arte o el influjo
que se le reconoce en su presente, reside en la raíz práctica de la
racionalidad humana, congénere de la raíz ética de lo estético, tanto
desde el punto de vista histórico como cultural. La generación de
Hegel (1770-1831) pertenece al movimiento libertario que compartieron
el idealismo y el romanticismo. Esta generación practicó una crítica
al racionalismo anónimo y universalista de la Ilustración clásica
de los siglos XVII y gran parte
del XVIII, y alegó contra él, gracias al redescubrimiento del mundo
histórico, la importancia del arte para forjar naciones y humanidades
en él. La vieja idea del arte como “maestra de la humanidad”, idea
asociada sobre todo a la consideración de la función histórica de
la poesía, volvió a cobrar fuerza, y si bien la apreciación de su
alcance opuso a Hegel con los románticos, la idea fundamental e inicial
fue convicción compartida. El programa de sistema más antiguo del
idealismo alemán, posiblemente un panfleto de autoría todavía
discutida, pero como tal un documento programático de índole estudiantil,
especulativo y de activismo político, que circuló entre Hegel y sus
amigos Schelling y Hölderlin en los años de estudio en Tübingen entre
1795 y 1797, consigna de modo ejemplar la concepción compartida por
idealistas y románticos en torno a la necesidad apremiante de un arte
con relevancia social en ese momento de revolución en Francia y en
Europa, de un arte políticamente emancipador de las ideas, y en una
Alemania entonces atomizada, un arte congregante de nación. Para la Ilustración clásica
prerrevolucionaria, la racionalidad era sinónimo de triunfo contra
el mito, y el arte era sólo un lujo superfluo; era un ornato de la
vida pero no una necesidad fundamental, el arte era cosa del gusto.
Esta concepción era completamente acorde con la profunda oposición
que existía entre la gran masa y la élite de los intelectuales. Entre
los discursos revolucionarios de entonces se había expresado ya la
necesidad de una “religión de los sentidos” para la gran masa. Esta
demanda la extendía ahora el documento juvenil estudiantil recién
mencionado a la misma filosofía: “Monoteísmo de la razón y del corazón,
politeísmo de la imaginación y del arte; esto es lo que necesitamos.
… hemos de tener una mitología; esta mitología debe estar, empero,
al servicio de las ideas, tiene que devenir mitología de la razón.
… En tanto no hagamos estéticas, esto es, mitológicas, las ideas,
no tendrán interés alguno para el pueblo y a la inversa: en
tanto la mitología no sea razonable, deberá el filósofo avergonzarse
de ella. Deben, entonces, tenderse por fin la mano ilustrados y no
ilustrados, la mitología ha de devenir filosófica para hacer razonable
al pueblo, y la filosofía ha de devenir mitológica para hacer sensibles
a los filósofos. En ese momento reina una unidad eterna entre nosotros.
… Sólo entonces nos espera la formación igual de todas
las fuerzas, tanto del individuo particular como de todos los individuos”.
(2) La importancia de esta exigencia
de una “mitología de la razón” radica en el nuevo modelo de racionalidad,
de filosofía, y de formación, cultura o Bildung, que dicha
idea conlleva. Una mitología “de la razón” sólo es aceptable como
concepción post-ilustrada de la razón, en este caso, como crítica
idealista y romántica a la racionalidad clásica, montada sobre la
analítica implacable del entendimiento. Sólo sobre esta idea de la
mitología de la razón pudieron volver a hermanarse el arte la religión
y la filosofía, cuya separación había iniciado la antigua Ilustración
griega de la sofística y había consolidado la Ilustración moderna
del racionalismo y la nueva mentalidad científica matemático-experimental.
Dentro de una mitología de la razón el arte pasaba a convertirse en
su mejor modo de expresión y realización, pues las ideas de la razón,
que para la razón cotidiana pasan desapercibidas o resultan incomprensibles,
gracias a las obras de arte, gracias a su configuración “estética
y mitológica”, quedaban intuibles para la gran masa, y en la misma
medida, orientadoras y realizables en su mundo de la vida, en otras
palabras, las ideas pasaban a ser así impulsos efectivos en la historia.
Dos son aquí las ideas fundamentales,
compartidas en este pensamiento sobre la obra de arte. Indudablemente
son pensamientos juveniles, son pensamientos que tanto idealistas
y románticos van a seguir madurando y calibrando en las tres décadas
siguientes, y bien pronto van a oponer a Hegel y a Schelling, quien
en esta disputa tercia hacia el lado de los románticos; pero los ejes
de la disputa son comunes: la belleza y la relevancia, la belleza
y la significatividad. Para su mediación ambos tenían fresca en la
memoria la solución ejemplar –idealizante- de belleza y moralidad
que los griegos habían logrado para el arte en el todo de su cultura.
Esta demanda de mediación de belleza y significatividad, o de moralidad
en sentido amplio, va a cambiar drásticamente para la obra de arte
en cada presente cultural, y en el caso concreto del diagnóstico sobre
su época, el choque entre Hegel y los románticos va a tomar a veces
visos de encono. En términos hegelianos, se trata del problema del
ideal del arte, de la mediación de la idea a través de la belleza,
según la cultura en la que es o pretende ser relevante. En cuanto
obra, en cuanto producto de un espíritu para otro, la obra de arte
es una mediación en la que la idea, lo que inquieta el pecho humano
o la cultura de la sociedad, gana presencia intuitiva o reconoscibilidad
inmediata, pero con esa mediación que es estética se logra otra mediación
de tipo práctico, de ética de la cultura en sentido amplio; la idea
resulta mediada por cuanto se hace aprehensible al modo de un saber
orientador en un sentido análogo a como opera el mito, el cual no
es un acontecimiento real pero sí es una representación que permite
comprender lo que le ocurre a los hombres en la historia. Belleza
y relevancia son los dos puntos que la filosofía del arte de Hegel
siempre tiene en consideración en la pregunta acerca de la función
histórica del arte como factor de formación o de cultura, y su respuesta
es la que le da a Hegel el perfil tan peculiar en su época y generación
de idealismo y romanticismo: en culturas como la de la Grecia antigua
la mediación de verdad o moralidad, y de belleza, constituyó el logro
del arte; en una cultura cristiana como la medieval y la renacentista,
el arte ya no tenía que ser bello, pero gracias a las demandas de
la instrucción, el culto y la doctrina el arte gozaba aún de tal reconocimiento,
que para la cultura era un imprescindible. En la cultura moderna,
y en tiempos como los nuestros, el arte por sí solo no tiene ya este
poder de mediación de verdad y belleza: si se concentra en la totalidad
de la forma –y tiene la libertad para hacerlo- echa a perder la validez
común del contenido. Como “arte bello”, el arte en la cultura moderna
se convierte en un juego de la fantasía; para la mentalidad moderna
y la manera de hacerle frente a sus inquietudes espirituales y sociales,
el arte ya no tiene que ser bello para ser de interés o de relevancia
para ella. Nuestra formación ya no nos
permite dar por supuesto que la afección de la sensibilidad o el ánimo
lleva en directo hacia el espíritu, y sin este piso, de la experiencia
del arte ya no se puede esperar que del individuo haga de inmediato
un ciudadano; ya no se puede pretender que en la cultura moderna el
arte involucre al hombre en su totalidad; hay que contar, más bien,
por parte de éste, con una receptividad incierta. No se trata de que
en el presente el arte bello ya no es posible; sí lo es y en todas
las épocas lo será, pero ya no es esta belleza la que garantiza que
pueda hablarse de una capacidad orientadora del arte, que en cuanto
propuesta interpretativa del mundo resulte relevante y sea referencial
para todos. “Arte bello” en la sociedad moderna sólo es posible como
juego autónomo con lo intrascendente; y un “pathos ético auténtico”,
“político” en el sentido más original y propio, ya no es accesible
ni comunicable en el arte en la experiencia de la belleza. En vez
de esa inmediatez, lo más afín a nuestra formación es la expectativa
de reflexión, necesitamos el juicio; entre las mediaciones intelectuales
es ésta la más apropiada para reconocer lo ético o lo político, lo
significativo o lo relevante en una obra de arte cuando en ella falta
lo bello, o cuando por fuerza del asunto mismo lo bello se convierte en ella en algo secundario. Como factor de cultura y formación,
la experiencia del arte no debe cifrarse ya en la identificación con
la obra según el placer y el gusto, sino en la identificación “crítica”,
esto es, juiciosa y no meramente contestataria, propia de la reflexión.
Un ejemplo de esta naturaleza lo veía Hegel en los dramas de F. Schiller
(1759-1805). El objetivo de su representación no era dirigir nuestro
obrar como ciudadanos de un Estado moderno, sino iluminar perspectivas
de acción bajo la premisa de un uso emancipado y adulto de la razón;
la orientación para ajustar la razón y la libertad puede quedar abierta
por tanto al fracaso, debido a las colisiones con las circunstancias
históricas. De un drama de Schiller, dice Hegel, el espectador no
sale, como el asistente a la tragedia antigua, “con el pecho aligerado”,
sino más bien conmovido o pensativo por la desarmonía insalvable entre
la intención y la realización en el obrar humanos. Hegel, sin embargo,
tampoco se polariza en la experiencia seria, displacentera, de lo
sublime como la experiencia moderna ejemplar del arte; este punto
de vista corresponde en mayor medida al de sus contemporáneos los
intelectuales románticos. Contra ellos optó Hegel públicamente, entre
otras cosas, a favor de la ópera, considerada por muchos de ellos
como una frivolidad. La fascinación de Hegel por la ópera de su tiempo
(en especial por la de Rossini, exitosa en toda Europa, menos en Berlin.
Hegel debió viajar a Viena en 1824 y a París en 1827 para poder presenciarla)
tenía también de por sí una buena dosis de crítica frente a la posición
típicamente alemana y romántica que por entonces insistía con
tanta vehemencia en el poder del arte para proporcionarle al ciudadano
la orientación nacionalista y patriótica. Los románticos suspiraban
por una nueva “obra de arte total” cuya representación fuese como
la liturgia mayor del Estado, la celebración cultural por excelencia
que le diera término al materialismo rampante de la época y la reenderezara.
Para Hegel, en cambio, la ópera era la opción para un arte logrado
y bello en una sociedad moderna y solvente desde el punto de vista
intelectual; la convergencia en su representación de todas las artes,
lograba hacer de la ópera una “obra de arte total” en la que su significatividad
o su relevancia se convertían en algo relativo para que lo que luciera
en ella fuese la bella y lograda resolución de todas las artes concurrentes.
En tal sentido era una obra de arte ejemplarmente representativa de
gran arte en una cultura moderna, algo afín a lo que la pintura holandesa
ya había logrado desde hacía dos siglos, haber logrado ser un arte
para que luciera el arte mismo, en su caso como pintura, el arte del
hacer ver. Como conjunción de teatro y música, la ópera podía lucir
ahora como arte para el goce de ver y oír. Dicho en términos positivos,
era la toma de posición de Hegel en pro del placer estético que convive
con la reflexión que evoca el arte. El arte meramente bello puede
ser disfrutado, pero ya no produce humanidad sino que la cultiva.
Un arte que quiera, en cambio, influir en los intereses culturales
e históricos de una humanidad, que quiera cambiarla, tiene que ser
más sublime que bello, más ético o político que estético, y aún así,
tiene que contar con que ese pretendido influjo no se llevará a cabo
sin el concurso nada despreciable, aunque incierto, de la reflexión
de los receptores que ponderan el contenido de la obra. En la pintura,
en el drama, en la ópera, en las artes en general, el arte moderno
queda destinado a la reflexión, sin ella la pretensión de la obra
no se realiza, no se convierte en experiencia. Se puede resumir este complejo
debate entre Hegel y sus contemporáneos los románticos en los siguientes
términos: en las relaciones entre el arte como factor de formación
y el presente cultural en el cual quiere ser relevante, la filosofía
entra en juego. Su mejor desempeño consiste en aportar con su reflexión
al enriquecimiento de la percepción para captar de un modo juicioso
y diferenciado, tanto la presencia, la prestancia estética, como la
sustentabilidad del contenido significativo y la pretensión de relevancia
de la obra en una cultura que como la moderna, ha refinado tanto la
conciencia estética e histórica, pero con cuyo progreso no se puede
medir el de la siempre precaria autonomía de la conciencia ética,
expuesta de continuo a las perplejidades y a las tutorías. Esta es
la filosofía del arte que practicó Hegel. Annemarie Gethmann-Siefert,
cuyo trabajo investigativo sobre el filósofo ha alimentado las ideas
que se vienen exponiendo, logra formular convincentemente
el reto que el arte tenía para Hegel en la cultura moderna:
“… relacionar el arte (sus propuestas intuitivas acerca del mundo)
y la reflexión de tal manera, que el arte no quede prescrito a ser
mero apostolado moral –moralidad sin belleza-, ni mero disfrute –belleza
sin moralidad-. Esto último parece sin embargo más aceptable, pues
el arte queda así accesible al disfrute y con ello a una afección
inmediata, como corresponde al carácter intuitivo, a la ‘sensibilidad
espiritualizada’ del arte. El placer por una representación autónoma
de la totalidad de las artes, por obras destacadas, es la respuesta
suficiente a pretensiones de orientación que ya no existen. Pero si
el arte quiere seguir siendo relevante en el sentido de formación
de la humanidad, para ello tiene que producir posibilidades de recepción
que tienen que ir más allá del juego autónomo y perfecto del arte”.(3)
II.
Juicio estético en una cultura política La tensión entre Hegel y los
románticos ha aparecido en lo anterior de continuo por una razón importante:
porque ilustra ejemplarmente la resolución tan distinta que ambos
le dan a la relación entre la experiencia estética del arte y su influjo
en la cultura política del presente. En lo que sigue trataré de resumir
en tres pasos esta diferencia, destacando la posición de Hegel. No
se le hace así justicia debida a la posición romántica, basta pensar
en su gran contribución a la crítica de arte, pero sólo en la presente
exposición, en otra parte ya lo he hecho.(4) 1. La
relación de la experiencia estética del arte con la cultura política
está destinada a una formación del juicio y no a la formación cristiana
y patriótica de un nacionalismo alemán. Esto hay que entenderlo en
el contexto histórico del debate entre Hegel y los románticos. Desde la juventud y a lo largo
de sus vidas respectivas, Hegel compartió con los románticos el interés
por un arte influyente en la vida cultural y política del presente.
Pero la mejor época para reconocer las diferencias es la época de
Hegel en Berlin entre 1818 y 1831. Ya es una generación adulta, y
todos son ahora autores destacados o funcionarios con responsabilidades
públicas: académicas como en el caso de Hegel, de August Schlegel,
de Friedrich Schleiermacher, o burocráticas y de periodismo de opinión
política y de crítica de arte como Friedrich Schlegel. Esta época
disfruta ya de una madurez reciente de la literatura y la filosofía
alemanas con autores tan reconocidos e influyentes como I. Kant (1724-1804),
F. Schiller (1759-1805), J.W.v. Goethe (1742-1832). Es un momento
en el que ya puede hablarse de un teatro nacional, y con C.M.v. Weber,
también de una ópera nacional, sobre todo con la más exitosa de sus
óperas, El cazador furtivo (Der Freischütz), estrenada en Berlin
en 1821. El pasado reciente del clasicismo musical vienés
y el impactante efecto de la música de Beethoven (1770-1827)
que estaba en el orden del día, aunque Berlin tampoco fue generoso
con su música en esos años, reforzaban la autoestima de los alemanes
de entonces para apreciar “genio alemán” en sus propias creaciones,
libres por fin de los modelos italianos y franceses que habían predominado
durante casi dos siglos. La pintura alcanza también en este periodo
el sello alemán característico: algunos de los jóvenes rebeldes que
en protesta contra la formación clasicista abandonaron las academias
de pintura hacia 1809/1810, para comprometerse desde Roma con una
pintura “cristiana, alemana y patriótica”, tal como rezaba el programa
de la pintura de los Nazarenos, ahora retornaban a dirigir
importantes Academias como las de Berlin, Düsseldorf y Dresden en
el reino de Prusia, y la de München en el de Baviera. El periodo de
Hegel en Berlin coincide igualmente con la gran renovación urbana
de la ciudad, presidida por un arquitecto tan decisivo como K.F. Schinkel
(1781-1841). Una de sus principales obras fue el Museo Real inaugurado
en 1830; Hegel estuvo al tanto de los debates previos sobre el concepto
de exposición de las colecciones que albergaría el museo, en particular,
sobre la preeminencia que habría de dársele a la colección de pintura
frente a la de escultura y antigüedades.(5) La particularidad de este periodo
debe comprenderse, además, por la siguiente circunstancia: tras la
derrota de Napoleón, sellada por el Tratado de Viena de 1815 que dio
origen a la Santa Alianza, Prusia surge como Estado respetable en
el nuevo orden Europeo. Se trata por lo tanto de un periodo en cierto
sentido fundacional de nacionalidad en una Europa ya irreversiblemente
moderna. Es sintomático el hecho de que todo lo que en este momento
los alemanes sienten como nuevo y característico propio, no lo denominen
“romántico” como lo hacemos nosotros hoy, sino que lo llamen precisamente
“alemán”, “nacional”. Hegel y los románticos representan muy bien
las tendencias del debate político-cultural del momento: el compromiso
consecuente con el proyecto moderno de cultura en el caso de Hegel,
y la puja del viejo cuño monárquico, autoritario y cristiano, renovado
ahora con representaciones nacionalistas y patrióticas en el caso
de los románticos. Estos últimos cifraron en el arte una enorme confianza
para agenciar la formación de la conciencia y la autoestima en la
recién reconocida nacionalidad, pero contra esta confianza excesiva,
y a pesar de la entusiasta y asidua participación de Hegel en la vida
cultural de la ciudad, éste siempre mantuvo cierta skepsis,
propia del talante de la reflexión: si la acción individual ya no
funda Estado como en la legendaria época de los héroes, menos lo puede
fundar el arte, y tanto menos aún, el arte que expresamente se lo
propone, pues según lo que le decía Hegel a los estudiantes en las
Lecciones de estética, “Los límites del arte no residen en él sino
en nosotros”(6). Hegel compartía con los románticos la idea de que
el arte es un punto de vista humano para abrirse mundo, para iluminar
horizontes de orientación en la praxis vital, pero a diferencia de
los románticos, jamás perdió de vista la limitación histórico-cultural
en la que el arte puede hacer tal aporte. El arte sí abre mundo, pero
en el mundo en que ya estamos y no puede hacer caso omiso de él. Según
Hegel, estamos ya en la cultura moderna, somos post-ilustrados, ya
no esperamos del arte ni exigimos de él milagros. Caer en tal tentación
es incurrir en una estetización torpe o culpable de la política. 2. Juicio
estético y cultura política en la concepción de Hegel La formación en general, la
cultura, es el medio del espíritu humano para educar y ser educado.
En su sentido más general, la formación consiste en el reconocimiento
y la asimilación de las representaciones y fines superiores que rigen
la conciencia y la vida, incluye por ello el cultivo integral de la
racionalidad, la unidad de razón y libertad, en lo teórico, lo ético
y lo estético. La formación contiene en su misma naturaleza un aspecto
indeterminable de formalidad, que a pesar de propender por realizar
lo general en lo concreto, su proceso no se puede prescribir ni doctrinarizar,
sino que sólo se puede ponderar juiciosamente. Esta “formación formal”
la puso en práctica la cultura griega, por ejemplo, con el “conócete
a ti mismo”: en el arte, en las formas poéticas de la épica, la tragedia
y la comedia, y en la filosofía, con la maduración del pensamiento
abstracto, resultante del debate con la Ilustración de la sofística. En el Estado moderno, la familia,
las tradiciones idiosincrásicas y religiosas, la legalidad, y sobre
todo, el sistema de la educación en todos los niveles y en toda su
variedad, constituyen los agentes más decisivos de cultura. El papel
del arte frente a estos factores es modesto pero no por eso menos
importante, pues entre más madura es la cultura más cualificada es
la demanda del arte, ya que se recurre a su aporte formador de un
modo más libre y cultivado. Para una representación intuitiva de los
modos de realizar lo general en el individuo, de modo que éste cultive
sus sentimientos y su manera de juzgar ante tipos de humanidad, el
arte ha sido históricamente una de las experiencias más admirables.
El arte no sólo eleva al individuo o al público a una universalidad
que los liga a una comprensión de la humanidad en general por encima
de las circunstancias particulares, sino que también los hace volver
sobre sí mismos a las apreciaciones propias para ponderar su validez
y sus límites. Esta es la tarea propiamente dicha de transmisión de
cultura, de humanidad, que el arte a la vez recibe y sustenta, y ello
además, en el espectro más amplio de posibilidades: en la producción
artística, desde el arte bello, pasando por el arte de lo característico
hasta lo feo, según lo demande el contenido intuitivo a configurar
y a dejar aprehender; por su parte en la recepción, desde la intuición
de lo verdadero en lo bello, como ocurrió momentáneamente en la cultura
griega clásica, pasando por el juego con la forma bella y el placer,
como en el arte de la cultura moderna ilustrada, dotada ya de una
conciencia estética, hasta en un arte con exigentes demandas de reflexión,
abierto, y casi en revolución permanente, como el arte al que estamos
dispuestos desde el romanticismo del siglo XIX. Sin conciencia estética
e histórica, conflictivas aunque inseparables, seríamos incapaces
de prestarle atención a los procesos del arte de esta última fase,
sobre todo desde las radicalizaciones que las vanguardias de principios
del siglo XX institucionalizaron para el mundo del arte en las diferentes artes
particulares. La concepción de Hegel puede
resumirse en lo siguiente: la cultura que aporta el arte tiene que
ver con una formación para la razón en todas sus formas posibles y
pensables, en una especie de cultura histórica y de capacidad de respuesta
por medio del arte. La experiencia del arte está destinada a enriquecer
y a estimular la cultura política, en vez de estetizar la política.
Esto ocurre cuando se destina el arte a la formación del ciudadano
en el arte y para el arte, como si su función fuese la de compensar
lo que la realidad política y social no proporciona. En vez de ello,
la función cultural del arte debe concebirse dentro de la formación
y la cultura que el Estado moderno en cuanto tal debe garantizar:
alimentar la cultura del presente, mantener el pensamiento emancipado
y autónomo en debate vivo, esto es, para ciudadanos del tiempo presente.
Para Hegel no se justifica el arte por el arte, aunque como consigna
sea una formulación exitosa, publicitaria, a la que no le faltan los
confesos y los adeptos; el arte es una experiencia cultural auténtica,
si es arte “para nosotros”, como lo planteaba Hegel en las Lecciones,
para criticar la escatología, el utopismo y los refinamientos para
especialistas que fomentaba la política cultural y la crítica de arte
estimulada por intelectuales románticos como F. Schlegel. Arte “para
nosotros”, en cambio, es el que nos abre y con el que nos abrimos
horizontes en el mundo, pero en el que ya estamos. 3. El
placer y la reflexión como pilares para la integración de la experiencia
estética en la cultura política Ante la sobrecarga que los románticos
le impusieron al arte en el Estado moderno, la sobria posición de
Hegel se ubica entre una conciencia estética hija de la Ilustración,
venida a menos en el desprecio de los románticos por una respuesta
o relación placentera con el arte (aquí Hegel es auténticamente kantiano),
y una demanda romántica de arte significativo, relevante, libre ahora
de obligaciones con la belleza o los grandes temas de la tradición
retórica y humanista que salvaguardaban las academias hasta entonces.
La diferencia entre Hegel y los románticos en este punto común la
marca la skepsis juiciosa y ponderada de Hegel con dicha significatividad
del arte, y la frecuente inclinación del romántico al arrebato con
ella. Para la cultura moderna, por
lo tanto, el arte no debe quedar
en deuda según Hegel con el placer, pues puede y debe proporcionar
representaciones con las cuales, sea por la belleza, por la picardía
o por la chispa de la ironía y de la crítica que comporta la obra,
ésta arranque de parte del público la identificación inmediata que
proviene de los sentimientos; pero tan necesario y legítimo como el
placer, la obra debe estimular también la reflexión sobre el contenido
o el significado resuelto en su configuración. La sobriedad de esta
posición contrarresta un gran peligro en la relación entre el arte
y la cultura política: ni el arte le promete al Estado y la sociedad
más de lo que le puede proporcionar, ni pone al Estado tras el arte,
como si este fuese su vehículo ideológico por excelencia. De todos
modos, la ideologización siempre será una tentación y un peligro para
el arte, aunque no sólo para él. También para el pensamiento y para
toda práctica libre que tenga incidencia en la formación de la mentalidad,
la sensibilidad y la cultura en general. La filosofía del arte de
Hegel es un ejercicio ejemplar de placer y reflexión con las obras
de arte, aunque para reconocer esta disposición tenemos que aprender
a liberar sus Lecciones
de estética del talante estético-normativo y doctrinario que le
impuso la edición de su discípulo H. G. Hotho (1802-1873) en 1835.
La insistencia de Hegel en un arte “para nosotros”, lo cual implica
la actualización continua en la representación de las obras del pasado
y ajustes a nuestra propia mentalidad y sensibilidad en la representación
de obras de culturas diferentes, así como la atención persistente
de Hegel a la relación del
arte con el público, debe darnos indicaciones para corregir ese tono de “conocedor” que Hotho, como historiador de
arte profesional, le acuñó al discurso expositivo de la lecciones
del maestro. La filosofía del arte de Hegel
es un modelo de respuesta de la filosofía a las pretensiones de formación
del arte. Su relación con las obras no está cifrada en la determinación
conceptual de sus contenidos, sino en el acompañamiento de la intuición
para captarlos y ofrecérselos al juicio reflexionante. Una filosofía
del arte como la practicó Hegel es consciente de la ventaja del arte
para la formación en la cultura política general: frente a las coacciones
de toda índole, el arte es capaz de ofrecerle al ciudadano la diversidad
más grande de orientaciones posibles, de modo que con ello lo remueve
de los carriles habituales y prescritos de las orientaciones burguesas,
y lo sensibiliza para ponderar libremente otras opciones. La producción
y la recepción del arte como cultura política del día a día es una
práctica de la libertad, propia de un Estado ilustrado y pluralista,
que en vez de cometer el error de legislar sobre los contenidos y
las formas del arte, se expone incluso a la representación en él de
formas de vida o acción que por su crítica al Establecimiento provocan
malestar. Como cultura política, la formación que proporciona el arte
no es la formación del hombre como ciudadano del Estado, como si este
pudiese cifrar en el arte el aseguramiento institucional y la regulación
de la cultura general. La sociedad nunca podrá ser una obra de arte,
y un Estado estético –esa tentadora evocación schilleriana- jamás
puede ser una propuesta política seria. La formación que proporciona
el arte, de acuerdo con su autonomía para lo bello, lo relevante,
y cuando se justifica, para lo intrascendente del juego insustancial,
es una formación de humanidad en el ciudadano que puede resumirse
en tres aspectos: placer, juicio propio y crítica. Como cultura política
el gran aporte de la experiencia estética del arte es la formación
y el refinamiento de la cultura del gusto, de la cultura del pensamiento
y el juicio autónomos, y de la cultura de la crítica como debate vivo
y abierto. Es una formación cuyo ethos impera, no con la implacabilidad
de las normas sino con la espontaneidad de una segunda naturaleza.
Notas
(2)
Schelling, F.W.J/ Hölderlin, F./ Hegel, G:W:F.. Proyecto. El programa
de sistema más antiguo del idealismo alemán. En: Fragmentos para una teoría romántica
del arte. Antología y edición de Javier Arnaldo. Madrid, Tecnos,
1987, p. 230. (3)
Gethmann-Siefert, A. Das “moderne” Gesamtkunstwerk: die Oper. En: Phänomen versus
System. Zum Verhältnis von philosophischer Systematik und Kunsturteil
in Hegels Berliner Vorlesungen über Ästhetik oder Philosophie der
Kunst . Hegel-Studien Vol. 34, Bonn, Bouvier
Verlag Herbert Grundmann, 1992, p. 220s. (4) Una confrontación documentada entre
Hegel y los románticos la he desarrollado en ¿Religión del arte
o comprensión del arte? La crítica de Hegel al romanticismo. En:
Estudios de Filosofía No. 28, agosto de 2003, Universidad
de Antioquia, Instituto de Filosofía, Medellín, p.123-142. (5)
Cfr. Pöggeler, O. Hegels Ästhetik und die Konzeption der Berliner
Gemäldegalerie. En: Hegel-Studien, Vol. 31. Bonn, Bouvier Verlag, 1996, pp. 9-26. (6) La afirmación está consignada en las
notas de clase de Heimann, p. 17, y de Libelt, p. 25, ambos asistentes
al último de los cursos de Estética de Hegel, el de 1828/1829. A.
Gethmann-Siefert la recoge en la Introducción a Hegel, G.W.F.
Vorlesungen über die Philosophie der Kunst. Berlin 1823.
Copia de H.G. Hotho. Editadas por A. Gethmann- Siefert, 1998, p.
CXCVIII.
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